• cos'è l'arte contemporanea?
• Caratteristiche dell'arte contemporanea
• Stili d'arte contemporanea
• Arte Moderna

Spieghiamo cos'è l'arte contemporanea, le sue caratteristiche e come sono i suoi stili. Inoltre, il suo rapporto con l'arte moderna.

L'arte contemporanea racchiude le manifestazioni artistiche più recenti.

cos'è l'arte contemporanea?

L'arte contemporanea racchiude le forme di arte della nostra epoca, prodotta e interpretata come riflesso del società corrente, cioè originata dal XX secolo. Tuttavia, è importante capire che si tratta di un concetto difficile da definire e i cui limiti variano enormemente a seconda di chi viene consultato, al punto che per molti non c'è proprio una distinzione tra arte moderna e arte contemporanea.

Questa difficoltà nel definire l'arte contemporanea ha a che fare con la stessa parola "contemporaneo", che si riferisce a un presente molto difficile da fissare nel sequenza temporale del storia, ed è anche dovuto al fatto che nel campo delle arti si usa una periodizzazione propria, che non sempre coincide con quella usata dagli storici.

Così, per alcuni, il moderno è tipico del diciannovesimo secolo e della prima metà del ventesimo, lasciando il contemporaneo per la fine del ventesimo e l'inizio del ventunesimo. Ma non c'è consenso al riguardo, perché in fondo sono delimitazioni estetiche e non cronologiche.

L'arte contemporanea, quindi, dovrebbe essere definita in base a certi tratti estetici ea certe preoccupazioni filosofiche, molte delle quali, però, erano già presenti nell'arte moderna, o almeno nel periodo di metà e fine Ottocento. Ecco perché alcuni preferiscono persino usare il termine "postmoderno" per riferirsi a ciò che è strettamente contemporaneo.

In ogni caso, l'arte contemporanea è una categoria ampia e complessa che racchiude le più recenti manifestazioni artistiche e stili artistici dell'umanità, ed è tipica della società industriale e postindustriale (o digitale).

Sia la società a cui si riflette sia quest'arte hanno presentato grandi cambiamenti rispetto alle precedenti tappe storiche, che puntano ad una continua e sostenuta esplorazione di alcune questioni fondamentali, come che cos'è l'arte?

Caratteristiche dell'arte contemporanea

L'arte contemporanea attraversa i confini tra le discipline artistiche.

In linea di massima, potremmo attribuire all'arte contemporanea le seguenti caratteristiche:

• Secondo alcune classificazioni, racchiude le tendenze artistiche dai primi del Novecento ad oggi. Altri, invece, considerano contemporanei solo quelli successivi al 1960.
• La sperimentazione e il nuovo sono un valore in sé, soprattutto per quanto riguarda il nuovo tecniche e nuovi materiali, che include verso la fine del XX secolo la comparsa dell'arte digitale e l'uso di nuove tecnologie.
• Molti degli elementi centrali del tradizione artistico, spesso in un certo senso ironico.
• Il figurativo viene abbandonato e il astrazione, il figura geometrica, linea e caos come possibili modalità espressive.
• La riflessione sulla natura dell'arte e dell'artista è costante, e che comprende anche spazi di legittimazione come musei, istituzioni, eccetera.
• I confini tra i generi sono varcati, puntando a un'arte ibrida, meticcia, indeterminata.

Stili d'arte contemporanea

La Pop Art ricorre alla rappresentazione e all'uso di oggetti di consumo quotidiano.

In parte a causa della sua problematica delimitazione concettuale, non è facile sapere quale scuola o stile sia o non sia arte contemporanea o arte moderna, e l'elenco può variare notevolmente da libro a libro. Tuttavia, alcuni degli stili contemporanei più conosciuti sono:

• Fauvismo o Fovismo. Fu un movimento pittorico che ebbe origine in Francia tra il 1904 e il 1908, il cui nome risponde alla voce francese fauve, "Feroce". Questo alludeva alla tavolozza di colori così provocatorio dei suoi pittori, che ruppe con il consueto e osò avventurarsi in toni poco fedeli alla realtà. Henri Matisse (1869-1954), André Derain (1880-1954) e Maurice de Vlaminck (1876-1958) sono considerati i suoi fondatori e autori più importanti.
• Cubismo. Il cubismo è sorto in Europa tra il 1907 e il 1924, ed è considerato un filone fondante, di vitale importanza per l'emergere delle avanguardie del Novecento. Consisteva in una vera rottura con il la pittura tradizionale, che ha osato rompere con il prospettiva realistico, inaugurando invece una prospettiva personale, soggettiva delle cose. I padri del cubismo furono Pablo Picasso (1881-1973) e Georges Braque (1882-1963), ma a loro si unirono altri grandi pittori europei dell'epoca, nonché il poeta e critico d'arte francese Guillaume Apollinaire (1880-1918) .
• Dadaismo. Nato nel 1916 al cabaret Voltaire di Zurigo, fu un movimento artistico di natura burlesca e ribelle, che si opponeva all'arte borghese e positivismo prevalente all'epoca. Opera del poeta rumeno Tristan Tzara (1896-1963) e del poeta tedesco Hugo Ball (1886-1927), prese il nome dal balbettio infantile (dadaista) perché ha valutato le sequenze di suoni apparentemente senza senso, come un modo per rompere con l'obbligo di "dire qualcosa". Tale atteggiamento fu poi ereditato in altri generi dai seguaci del movimento, come nel scultura e pittura.
• Surrealismo. Uno dei grandi movimenti culturali dell'Europa del Novecento, il cui precetto fondamentale era quello di allontanarsi dalla ragione e dall'oggettività per avvicinarsi al mondo dell'inconscio freudiano: sogni, allucinazioni e fantasie. Il movimento surrealista iniziò formalmente quando il poeta francese André Bretón (1896-1966) pubblicò nel 1924 il manifesto surrealista a Parigi, città che è stata l'asse del movimento nella sua espansione nel mondo, avventurandosi nella pittura, nella scultura, letteratura e anche il cinema. Il movimento ebbe un gran numero di seguaci di diverse nazionalità, tra cui lo stesso Breton, Salvador Dalí (1904-1989), René Magritte (1898-1967), Marcel Duchamp (1887-1968), Jean Arp (1887-1966), Luis Buñuel (1900-1983), tra molti altri.
• Espressionismo. Un altro dei grandi movimenti artistici del Novecento, nato all'inizio del secolo in Germania, contemporaneamente al fauvismo francese. Il suo campo iniziale era la pittura, ma in seguito si è diffuso ad altre arti come la letteratura, la scultura, musica, il danza, il Teatro e il cinema, sempre con la premessa di opporsi al impressionismo e la sua concezione razionale e oggettiva dell'arte. L'espressionismo valorizzava sopra ogni altra cosa l'interiorità dell'artista e distorceva la realtà nel lavoro di adattarlo all'espressione di quella soggettività, spesso attraverso scenari onirici, desolati e un po' amari, tipici del periodo della Germania prebellica. Non si trattava, tuttavia, di un movimento omogeneo, quindi le sue caratteristiche stilistiche mutarono molto nel tempo, sebbene la sua premessa filosofica fosse preservata. Alcuni dei suoi tipici esponenti furono i pittori Evard Munch (1863-1944), Vasili Kandinski (1866-1944), Paul Klee (1879-1940), Egon Schiele (1890-1918), Amedeo Modigliani (1884-1920) e Marc Chagall (1887-1985), insieme a scrittori come Franz Kafka (1883-1924) e Bertoldt Brecht (1898-1956), o musicisti come Arnold Schönberg (1874-1951), solo per citarne alcuni.
• Espressionismo astratto. Un movimento pittorico nato negli Stati Uniti negli anni Quaranta, frutto della migrazione di molti artisti surrealisti europei nel nuovo continente. Abbandonando il figurativismo a favore dell'astrazione, questo movimento utilizza colori primari e un approccio minimalista, oltre a linee violente. I suoi inizi furono molto segnati dalla sua eredità europea, guidata dal suo pioniere l'armeno Arshile Gorky (1904-1948), esiliato a New York, ma presto divenne il primo movimento propriamente americano all'interno del pittura astratta, i cui maggiori esponenti sono il famoso Jackson Pollock (1912-1956) o Mark Rothko (1903-1970).
• Pop Art. La "Pop art" nasce come reazione all'espressionismo astratto e continuazione non ironica e meno distruttiva del movimento Dada. I suoi inizi avvennero nel 1950 nel Regno Unito e all'inizio del 1960 negli Stati Uniti, e il suo postulato essenziale era la riunificazione dell'arte e della vita, attraverso il raffreddamento del emozioni. Per farlo ricorre all'apparente superficialità della cultura di massa, e ai disegni ripetuti, con una linea ben definita, nonché alla rappresentazione e all'uso di oggetti di consumo quotidiano, come le famose lattine di zuppa Campbell di Andy Warhol (1928 - 1987), forse il suo esponente più noto. È stata una mossa vicina a pubblicità e in una certa misura euforico, che è considerato oggi tipico del sorgere del capitalismo in Occidente durante il Guerra fredda. Altri grandi nomi sono stati Robert Rauschenberg (1925-2008) e Roy Lichtenstein (1923-1997).
• Arte cinetica. Come suggerisce il nome, l'arte cinetica tenta di incorporare il movimento all'opera d'arte, come nei dipinti e soprattutto nelle sculture. Questo movimento può essere reale (meccanico, elettrico, magnetico, vento, ecc.) o figurativo, e può avere o meno la partecipazione dello spettatore, attraverso l'azionamento di un interruttore o penetrando nell'opera stessa. La maggior parte delle sue opere, infatti, erano tridimensionali, e furono prodotte tra gli anni Sessanta e Settanta, con Parigi e gli Stati Uniti come epicentro. C'erano importanti rappresentanti dell'America Latina in questo aspetto artistico, come l'argentino Julio Leparc (1928-) o i venezuelani Jesús Soto (1923-2005) e Carlos Cruz Diez (1923-2019).
• Arte concettuale. L'arte concettuale va intesa come una proposta artistica in cui il idea o il concetto è molto più importante dell'opera stessa, almeno come oggetto fisico o materiale. Così l'arte si riduce all'espressione del mentale indifferente alla tecnica, senza bisogno di un sostegno fisico durevole, al di là del testo e il Fotografia. È emerso negli anni '60 negli Stati Uniti e nel Regno Unito, ma ha avuto importanti rappresentanti europei, come il gruppo tedesco FLUXUS, o il giapponese Yoko Ono (1933-). Questo movimento include tutto, dalle performance e forme di arte effimera, alle installazioni, sculture e registrazioni audiovisive.

Arte Moderna

Come abbiamo detto prima, la distinzione tra arte moderna e arte contemporanea è sempre problematica, al punto che per alcuni autori non esiste nemmeno.

I due termini sono solitamente usati in modo intercambiabile, o talvolta stabilendo divisioni più o meno arbitrarie dalla metà del XX secolo, lasciando il moderno come quello che va dalla fine del XV secolo alla fine del XVIII secolo, o anche dalla fine del XVIII secolo. fino alla metà del XX. Non esiste un criterio unico in materia.

In ogni caso, l'arte moderna è considerata una rottura importante rispetto alla tradizione ereditata dal Medioevo occidentale, allontanandosi dall'imitazione della natura e dal figurativismo per intraprendere strade più astratte e sfidanti, reinventando prospettiva e punto di vista, nonché incorporare nuove tecniche e nuovi materiali che hanno portato con sé il Rivoluzione industriale.