- Qual è l'origine e la storia del teatro?
- L'origine greca del teatro
- L'origine del teatro non occidentale
- Dramma liturgico e teatro medievale
- La fioritura del teatro giapponese
- Il teatro rinascimentale e la commedia dell'arte
- L'ingresso alla modernità
- Il 20° secolo e il contemporaneo
Spieghiamo l'origine e la storia del teatro in diverse parti del mondo, dall'antichità ad oggi.
Qual è l'origine e la storia del teatro?
Il Teatro, il genere artistico in cui il letteratura (drammaturgia) e il arti dello spettacolo (performance teatrale), è una delle più antiche forme di espressione artistica della storia. umanità.
Sebbene la sua origine risalga comunemente al Antichità classico del West, la verità è che quasi tutti i culture antiche avevano una qualche forma di teatro o spettacolo molto simile, con cui educavano i loro giovani, pregavano i loro di Dio o ricordato il loro miti fondamentale.
Tuttavia, i primi a intendere il teatro come una forma d'arte in sé, cioè come "arte drammatica", furono gli antichi greci dal VI al IV secolo a.C. c.
Gli antichi greci celebravano certo rituali religioso in onore di Dioniso, dio del vino e della fertilità, detto il baccanale. In questi riti il danza e gli stati di trance erano normali, ma anche una certa narrazione e messa in scena dei miti fondatori, e quest'ultimo fu ciò che diede origine al teatro.
L'origine greca del teatro
Ha origine nel VI secolo a.C. C. grazie ad un sacerdote di Dioniso, detto Tespi, che introdusse un'importante modifica ai rituali: a dialogo che ha tenuto con il coro durante ogni festival.
Così, Thespis è diventato il primo attore teatrale. Infatti, secondo cronache del III sec. a. C. Fu lo stesso Tespi a vincere il primo concorso teatrale in Grecia, tenutosi ad Atene nel 534 aC. c.
Da quel momento in poi, le competizioni teatrali divennero molto comuni nei festival in onore di Dioniso, che durarono quattro giorni interi e utilizzavano strutture in legno tramezzato per l'orchestra, il pubblico e il palcoscenico attorno alla statua di Dioniso.
Per tutto il V e IV secolo a.C. C. fiorì il teatro greco e divenne indipendente dal culto religioso. Tuttavia, ha continuato ad essere un meccanismo della società greca per educare i suoi giovani nel religione, il mitologia e valori civici classici.
In quel periodo emersero i tre grandi drammaturghi greci: Eschilo (525-456 a.C.), Sofocle (496-406 a.C.) ed Euripide (484-406 a.C.), autori di un'ampia serie di commedie tragiche che affrontavano i grandi miti greci. Insieme a loro proliferarono grandi comici greci come Aristofane (444-385 a.C.).
Il teatro fu così importante nella cultura greca che il filosofo Aristotele (384-322 aC) si ispirò ad essi per scrivere il primo trattato sull'arte drammatica nella storia dell'umanità: il Poetica dal 335 a.C c.
Allo stesso modo, era così importante per la regione mediterranea dell'epoca, che la cultura romana lo prese come modello e ispirazione per sviluppare un proprio teatro tra il II e il III secolo a.C. C. Nascono così autori famosi come Plauto (254-184 a.C.) e Terenzio (185-159 a.C.), i cui gioca facevano parte di un evento molto più ampio della cultura romana: i Giochi romani in onore degli dei.
I romani incorporarono anche l'eredità drammaturgica greca nella loro cultura, preservandola in latino per i lettori molto successivi.
L'origine del teatro non occidentale
C'erano anche, nell'antichità, ricche tradizioni teatrali nell'est del mondo, specialmente nell'antica cultura dell'India. Il teatro dell'India è nato da danze religiose e cerimoniali.
Questo teatro acquisì uno studio formale intorno al IV e II secolo a.C.C., a giudicare da ciò che il Natia-shastra, un antico trattato indù sulla danza, il canto e il teatro, attribuito al musicologo Bharata Muni (date incerte). Questo lavoro studia, in particolare, il teatro classico indiano, l'apice della letteratura sanscrita.
In questo tipo di Dramma figure molto stereotipate sono apparse come l'eroe (nayaka), l'eroina (nayika) o il clown (vidusaka), in mezzo a storie mitologiche e religiose sull'origine degli dei. Lo spettacolo consisteva più che altro nella danza e nel dialogo degli attori, travestiti e truccati, ma senza palcoscenico né decorazioni.
Il teatro indiano fu praticato quasi senza interruzioni o cambiamenti per lungo tempo, raggiungendo il suo apice tra il III e il V secolo d.C. Due dei grandi drammaturghi di questa tradizione furono Sudraka (III secolo d.C.) e Kalidasa (IV-V secolo d.C.), quest'ultimo autore di grandi commedie d'amore.
Un'altra importante tradizione non occidentale, il teatro della Cina, ebbe origine intorno al VI secolo aC. C. Era composto principalmente da danze, acrobazie, mimi e atti rituali senza un genere definito.
Gli attori, tutti maschi, potrebbero interpretare diversi tipi di ruoli stereotipati, siano essi maschili (sheng), femminile (Così), i fumetti (cho) o guerrieri (ching). In molti casi sono state utilizzate maschere e trucco.
La tradizione cinese ha ispirato versioni simili in Giappone e in altre nazioni del sud-est asiatico, che fiorirono nei secoli successivi e non furono conosciute in Occidente fino a quasi il diciannovesimo secolo.
Dramma liturgico e teatro medievale
Dopo la caduta di Impero romano, il teatro in Occidente ha perso la sua antica rilevanza popolare e religiosa: questo perché il cristianesimo rifiutato l'eredità pagano di Europa e fece di tutto per distinguersi e prendere le distanze da quella tradizione. Tuttavia, nel X secolo, la liturgia cristiana e la celebrazione della Pasqua erano eventi centrali nella cultura cristiana e venivano eseguite con grande sfarzo e scenografia.
Così, nel Medioevo sorse un teatro liturgico, che riproduceva le scene più importanti della mitologia cristiana, come la visita di Maria Maddalena al sepolcro di Gesù Cristo. Con ciò nacque una ricca tradizione della successiva drammaturgia cristiana.
Intorno all'XI e al XII secolo, molti monasteri francesi iniziarono a mettere in scena storie bibliche su una tribuna fuori dal tempio, abbandonando anche il culto latino per usare lingue vernacolari, più vicine al popolo. Era comune la messa in scena della Genesi o dell'Apocalisse, o delle vite tormentate dei santi, come quella di Sant'Apollonia o di Santa Dorotea.
Man mano che questi atti teatrali acquistavano complessità, iniziarono ad essere esibiti su carri allegorici o palchi mobili, per portare la liturgia e la storia ecclesiastica nei diversi angoli del paese. Questo era particolarmente popolare in Spagna e divennero noti con il nome di Auto sacramentali, cioè i drammi dell'Eucaristia.
Eventi simili furono intrapresi in Inghilterra all'epoca, specialmente durante il corpo di Cristo, e divenne forme popolari di teatro, comuni in tutta Europa fino al XVI secolo.
Da quel momento in poi emersero i suoi principali detrattori: i puritani protestanti che condannavano l'umorismo predominante e l'audacia nelle sue rappresentazioni, e i umanisti Rinascimento che vedeva con occhi cattivi il loro frivolezza e il suo legame con una certa tradizione medievale dalla quale cercavano di staccarsi.
Di conseguenza, molte di queste opere furono bandite a Parigi e nei paesi dell'Europa protestante, mentre fiorirono nell'Europa della Controriforma, principalmente in Spagna. grandi autori di barocco Spagnoli come Lope de Vega (1562-1635), Tirso de Molina (1583-1648) e Calderón de la Barca (1600-1681) sono considerati tra i maggiori autori dell'atto sacramentale.
La fioritura del teatro giapponese
Nel frattempo, nel Giappone del XIV secolo, si stava cristallizzando una cultura dello spettacolo. Erede delle danze shintoiste e dei rituali buddisti, sia propri che copiati dalla Cina e da altre nazioni asiatiche, il teatro giapponese ha compiuto i suoi passi più importanti.
Da quel momento in poi, tre grandi tendenze mossero i primi passi:
- Il raffinato dramma lirico del teatro noh e kyogen.
- Il teatro dei burattini letterari Bunraku.
- Più tardi, il teatro kabuki, lo spettacolo drammatico della borghesia.
Il teatro Noh sorse a Kyoto intorno al 1374, sotto la tutela dello shogun Yoshimitsu, dando inizio a un'importante tradizione di mecenatismo teatrale da parte dei signori feudali giapponesi.
La maggior parte delle opere in questo stile, eseguite con grazia e raffinatezza infinita da attori maschi accompagnati da un piccolo coro, furono scritte nei decenni successivi da Kanami Motokiyo, suo figlio Zeami Motokiyo, e poi genero di quest'ultimo, Zenchiku. Poche nuove opere sono state scritte per il teatro Noh dal XV secolo.
Forse per questo, verso il XVI secolo, il panorama teatrale giapponese presenta un certo declino. A questo va aggiunto il divieto del 1629 di tutti gli spettacoli teatrali con protagoniste donne, dopo che le presentazioni della sacerdotessa shintoista O-Kuni hanno suscitato scalpore nel pubblico di Kyoto.
Ecco perché, all'inizio del XVII secolo, un nuovo teatro giapponese emerse per riempire il vuoto, riflettendo la nuova sensibilità borghese dell'epoca: il Kabuki, un caffè-teatro di successo, che utilizzava ambientazioni sontuose e costumi elaborati, le cui opere proveniva dalla tradizione letteraria e dal teatro delle marionette.
Il teatro rinascimentale e la commedia dell'arte
Come in molti altri arte e conoscenza, il Rinascimento European ha segnato un prima e un dopo nel teatro e nella drammaturgia. Le opere si fecero più naturali, spogliarono del loro obbligo religioso e salvarono l'eredità teorica di Aristotele, così come i miti antichi ei simboli classici.
Il trionfo di borghesia poiché la nuova classe sociale dominante determinò un cambiamento nelle sensibilità teatrali e presto si assistette alla nascita di nuovi generi e nuovi stili, come il teatro barocco spagnolo e il teatro elisabettiano inglese, nella cui tradizione apparvero grandi nomi come Miguel de Cervantes e William Shakespeare.
Tuttavia, la più importante delle nuove forme di teatro fu la Commedia dell'Arte italiana, emersa intorno al 1545 come forma di teatro popolare e di strada, ma eseguita da attori professionisti. Molti dei gruppi teatrali erano itineranti, spostandosi di città in città e allestendo palchi improvvisati.
Lì rappresentavano pezzi di commedia improvvisazioni fisiche, teatrali e propri pezzi di cui personaggi erano facilmente e rapidamente riconoscibili, poiché indossavano sempre le stesse maschere. Per esempio, pantaloni era un vecchio pomposo e irascibile a cui venivano fatti scherzi e scherzi, mentre Arlecchino era il servo scherzoso e audace, e Pulcinelli era lo specialista del pestaggio panciuto e gobbo.
Da quel momento in poi, nuove forme di spettacolo teatrale iniziarono a diffondersi in un'Europa che apprezzava sempre di più la drammaturgia. Il tragicommedia divenne un genere popolare, una sorta di collegamento intermedio tra la commedia e tragedia. Anche l'opera emerse nel XVII secolo e il cosiddetto "stile italiano" del teatro si diffuse in tutta Europa.
In questo stesso contesto, il teatro francese ha avuto un boom importante, per mano di noti drammaturghi come Pierre Corneille (1606-1684) e Jean Racine (1639-1699), grandi autori di tragedie, e soprattutto Jean-Baptiste Poquelin, meglio noto come Molière (1622-1673), attore e autore di commedie, farse, tragicomedie e alcune delle opere più celebri in lingua francese.
L'ingresso alla modernità
Il successivo grande cambiamento nella tradizione teatrale occidentale arrivò con il Romanticismo Tedesco, soprattutto Sturm und Drang nella seconda metà del Settecento.
Come nel resto delle arti, il romanticismo teatrale enfatizzava il sentimentalismo e il dramma contro il razionalismo emerso con il Illustrazione Francese. Preferiva temi oscuri e misteriosi, in particolare quelli della cultura popolare e del folklore.
L'eredità lasciata da autori come Wolfgang von Goethe (1749-1832) e Friedrich Schiller (1759-1805), con grandi opere drammatiche come Faust o Guglielmo Tell all'inizio dell'Ottocento, fu ispirazione per la nascita di un nuovo genere: il melodramma, che incorporava la musica per enfatizzare le emozioni dei personaggi.
Dalla mano di nazionalismo Europeo, questo nuovo stile ha preso piede in quasi tutti i paesi e ha prodotto opere e autori famosi come Georg Büchner, Victor Hugo, José Zorrilla e molti altri.
Tuttavia, la fondazione del teatro moderno, propriamente parlando, avvenne fino al XIX secolo, con la fondazione del teatro realistico, il trionfo del razionalismo sui romantici. Il realismo ha sottolineato la necessità di un teatro naturalistico: scenografie simili a quelle reali, spettacoli credibili e spogliati di dizioni o gesti magniloquenti.
Come previsto, il realismo è nato in Francia, culla dell'Illuminismo.Tuttavia, raggiunse il suo apice espressivo nella penna di autori nordici come lo svedese August Strindberg (1849-1912) e il norvegese Henrik Ibsen (1828-1906), o anche con l'importante scrittore russo di racconti Anton Cechov (1860- 1904).
Il 20° secolo e il contemporaneo
L'arrivo del turbolento 20° secolo ha portato con sé il avanguardie, fonte incessante di innovazione formale ed estetico che ha dato vita a molte scuole teatrali in Europa e in America.
In generale, le avanguardie cercavano una maggiore intensità e profondità psicologica nei loro personaggi, abbandonando le tre unità aristoteliche classiche e abbracciando spesso la denuncia e la militanza politica. Inoltre, grazie a loro, il ruolo del regista teatrale ha preso il sopravvento sugli attori; un ruolo paragonabile al regista.
I movimenti teatrali d'avanguardia sono troppo numerosi per essere enumerati nella loro interezza, ma vale la pena notare che espressionismo, il "teatro epico" di Bertoldt Brecht, il teatro dell'assurdo legato alla filosofia di esistenzialismo e le opere di Antonin Artaud, Eugène Ionesco e Samuel Beckett.
Inoltre, l'anticonformismo e il sentimento antiborghese del Giovani arrabbiati: Harold Pinter, John Osbourne e Arnold Wesker. Altri grandi nomi dell'epoca furono Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Arthur Miller, Federico García Lorca, Ramón de Valle Inclán, tra gli altri.
Dal 1960 il teatro contemporaneo ha cercato di riconnettersi con le emozioni dello spettatore, allontanandosi dal teatro epico e dai messaggi politici. Ci sono numerosi aspetti teatrali che cercano di staccarsi dal palcoscenico e portare il teatro in strada, o incorporare il pubblico sul palco, o addirittura ricorrere a succedendo o teatro di situazioni improvvisato nella vita reale.